クリスティーナ・アギレラは下手な歌手なのか

自分の中で一番歌が上手い人というのは、その存在を知ってからずっと、ちあきなおみだ。
集中力があるし、失敗しないし、感情がこもっているし、演歌も歌えればブギウギも歌える。

しかし、彼女は歌の講師に言わせれば、きっと声域の限界にチャレンジしないジャズ的なBGM的な歌手なのだろう。

歌のプロからの評価と、世間の評価は必ずしも同じではない。

歌の講師に言わせればアメリカのスター歌手、クリスティーナ・アギレラですらも悪い歌手とされているからだ。

アルバムだけでも全世界で１７００万枚以上売っても歌は二流。
そんなことあるだろうか。

クリスティーナの何がいけないかというと、高音部の地声を出すときに、口蓋垂を上げて、喉を細めて、無理やりに出力しているというのだ。
これは苦しく、難しい発声の仕方で、だからこそ歌う時に彼女は苦しそうな顔をしているのらしい。

このような歌い方をすると、声は響かず、長く伸ばすことも難しい。
それは悲鳴に近い声として発せられる。

ゴスペルなどを経た歌手はそういう歌い方はしない。
地声が出ないなら声の出し方を変えなければならない。
ゴスペルでは自然と、響かせた発声（resonance）を学ぶ。
オペラにおいても、口蓋垂を上げる歌い方はせず、喉は開いてリラックスさせて歌わなければならない。

マライアが出せるからと真似して、無理に高い声を出そうと喉を絞り込んでしまうと、誤った発声になってしまう。
大事なのは高い声を出すことではなく、響いた声を出すことだ。

という以上のような、歌の講師の共通認識を最近知った。

でも口蓋垂を上げて絞り出す地声は苦しそうなのであれば、
それはそれでたとえばエレジーを歌うときなどに活用すればいいのではないかと思った。

哀しい曲を歌う時に、のどを絞って苦しそうに歌うというスキル。
やってはいけない悪い歌い方として切って捨てるのではなく、そこまで技術化するのが、真のテクニシャンなのではなかろうか。

実際、クリスティーナが歌う「Hurt」や「Beautiful」は実に痛々しく、あれを元気に良く響いた声で歌われても何の説得力もない。

彼女の歌のもの悲しさの証拠に、The Voiceでお手本に課題曲を歌って見せたときに、最初の1フレーズで出場者に落涙させたこともある（The Voice 2015, top 8, Kimberly Nichole "Creep"）。

あの痛々しさは彼女独特の「悪い」歌い方の賜物である。

クリスティーナは今や悪い歌手の代名詞のような存在で、throaty voice（喉を開き過ぎた歌い方）とかhigh larynx singing（口蓋垂を上げた歌い方）といった悪名高い歌唱法ながら、グラミー賞やVMAなど数々の輝かしい舞台を飾ったというレッテルが貼られている。

一時期、あんなに当代一の歌手として褒めそやされていたのに、大衆が手のひらを返すのは冷酷なほど早いものだ。

ビヨンセの曲「バウ・ダウン」のストリート性

Beyonceの2014年のシングル曲“Flawless”は、彼女史上トップクラスの問題作だった。
正確には、この曲の元となった2013年リリースの“Bow Down/I Been On”という曲こそが問題作だった。



「ずっと前からここに君臨してるんだから、私の前にひれ伏しなさい」と歌うこの曲は、Beyonceらしくなかった。
小生意気な女性ラッパーのように聞こえるのは、生まれのテキサス州ヒューストンにも言及しているからかもしれない。



生来、内向的で大人しいこの美女は、しかし過去にも時に同業者を大胆に挑発した。
デスティニーズ・チャイルド時代の“Survivor”やソロでの2008年のシングル曲“Diva”などが好例だ。



この勝気さは何なのかと考えたところ、やはりこれはストリート性の模倣だと思う。
ストリート文化とは、しばしば周りを気にしない独善性を大言壮語する。
ストリート性の強いヒップホップにおいては「I am the king of hip hop」や、「I am the best around」などと言って、競争相手がいたものなら口撃する。



この無法的で、原始的な威張り合いはグラフィティおよびストリートアートにも継承されていて、Beyonceの“Bow Down”で思い出したのが、ストリートアーティスト、シェパード・フェアリーの作品“OBEY”である。

陰鬱な男の顔の下に「従え」とあるその謎の張り紙は、その文言が「従え」だからこそストリートアートの流儀を保っている。
例えばそれが“HELLO”だったとしたら、何の方法論も持ち合わせていないことを露呈する。



Beyonceの“Bow Down”に反応したのは2004年デビューの熱唱系シンガー、Keyshia Coleだった。
よほどBeyonceを意識していたのだろう。

First "Women need to Stick together" now bitches better Bow. Smh. But it's all G! Chicks stay shooting the shit. But when I speak my mind its a prob.

とツイートし、Beyonceの一味、ビーハイブの返信によってtwitterが炎上する。
しかし、挑発には挑発で返し、相手のグラフィティのタグには自分のタグを上書きするのがストリートのマナー。
Keyshiaはストリート流の方法を選択したに過ぎない。



では、当のビヨンセはなぜこの曲を出したのか。

The reason I put out 'Bow Down' is because I woke up, I went into the studio, I had a chant in my head, it was aggressive, it was angry, it wasn't the Beyoncé that wakes up every morning. It was the Beyoncé that was angry. It was the Beyoncé that felt the need to defend herself.

単純にご機嫌斜めだったようなのである。

原初とは何か―ビヨンセの衣装パクリ騒動に端を発して

まずはこちらをご覧いただきたい。

セルビアの歌手、Jelena Karleusaがビヨンセの撮影・演奏衣装の中には、以前自分が既に試したものの真似が見られることをInstagramにて示した。
人々は、その告発内容よりもまずそんなセルビア人の存在の方にビックリしたのではないだろうか。
彼女はKim KardashianやLady Gagaにも真似されるほど、先進的な東欧のファッショニスタ（本業は歌手）なのだ。



彼女のInstagramページを覗いてみると、コーディネート写真の洪水で、服への愛を感じる。

色々な組み合わせの試しの回数が多いため、四六時中、服のことを考えているのだろう。

その極めぶりは全世界のスタイリストが参考にする価値がある。

歌手の衣装が似ている、あるいは全く同じだと指摘されることはもう何度も行われてきた。
少し前はLady Gagaに対してMadonnaやGrace Jonesなどが声を上げた。
しかしそのMadonnaだって、初期にはMarilyn Monroeと同じような衣装を着て写真を撮っていた。



服が似てしまうのは仕方ない。
我々の姿がほぼ同じ形状をしていて、服の型のバランスや色の組み合わせが有限なのだから。
また、ファッションやデザインというものは、その人の目の肥やしに訴えかけるものがあり、前例や他のデザインとの合成、改変を経て消費されるものであることも理由の一つだ。



Jessie JやAriana Grandeなど、女性がレオタードで歌を歌うことが普通になったのは、BeyonceやMadonna、Lady Gagaだけのおかげではなく、70年代のエアロビクスの流行、Diana Ross、Betty Davis、Kate Bushによる適用、そして2000年代以降は女性ラッパーらやLady Marmalade以降のChristina Aguileraの衣装によって、われわれの目が慣れ、背景を知っているからだ。
ある程度の既視感がないと、洋服が「かっこいい」とか「ダサい」とは評価できない。



前例を探して、それを参考にするということは衣装に限らない。
ウェブデザインや住宅の建築でも参考例を探す。
これらの共通点は使い勝手（UI）と外観が両方大事であるということである。



KelisもLady Gagaに複数の衣装を真似された人の一人なのだが、彼女のそれに対するコメントが素晴らしい。

I’ve been around for a long time and that’s what artists do; we take from each other and we recycle. And quite frankly, it may not even be them. It might be stylists that have been around as long as I have and are like, ‘Hey, let’s recycle this on these younger artists.

さすがは美術高校出身、分かっていらっしゃる。
アートとは学び合うものであり、デザインは盗みあうもの。



では「オリジナル」って何だろう。
何にも似ず、何も参考にせず作られたものという意味であれば、それは理性的な人間には不可能な活動ではないだろうか。
トランス状態にでもなれば話は別だが、人間は知識を蓄え、それらをカテゴライズし、組み合わせ、取り出し、ということを延々と行っているのだから。

リアーナによるアメリカンドリーム論

昔のHIPHOPやR&Bは、よくアルバム中に社会問題を歌った暗い曲が１、２曲あった。

黒人差別や貧困問題、蔓延する薬物など、プロジェクトで育った黒人アーティストにとっては、故郷さらに祖国は希望で眩い素晴らしい国ではなかった。

出自からの社会問題的視点に限らず、音楽家は社会問題に感化されることが多い。

特にMichael Jackson以降、その傾向が強いと思う。

２００１年の同時多発テロで、再びその動きが活発化し、多くの歌手がそれに感化されて曲をつくった。

それから時は経ち、社会問題を課題とした曲は減った。

そんな２０１５年の春、東京ガールズコレクションでも観客の群集が歌詞を口ずさめるくらい日本でも人気があるRihannaによって、シングル「American Oxygen」がリリースされた。

彼女にしては珍しく、また、近年の音楽業界的にも珍しく問題提起型の楽曲である。

ビデオでは、アメリカ合衆国のこれまでの歴史に残る場面の継ぎはぎの合間にRihannaが映る。

Paul Mccartney、Kanye Westとの共演では、デビュー当時とは段違いの見事な魂のこもったボーカルを聴かせたRihannaだが、今作のビデオでは戦争、人種問題、移民問題、経済問題など、もはや何を訴えているのか茫洋としてしまうくらい幅広く社会問題を網羅している。

そこで歌詞を見てみよう。

I say, you see, this is the American Dream
Young girl, hustlin'
On the other side of the ocean
She can be anything at all

なんてことはない、アメリカンドリーム論である。

ビデオがアメリカ合衆国の社会問題のシーン集であることで、視聴者は正確なメッセージを受け取りづらくなっている。

しかしこのアメリカンドリーム論は、デトロイトから３５ドルを手にニューヨークに乗り込み、スーパースターになるという８０年代の武勇伝とはもはやスケールが違う。

紺碧のカリブ海の少女が、アメリカ合衆国を代表する歌手になるという話だ。

バルバドスも立派なアメリカ大陸の一部であり、その意味ではRihannaもアメリカ大陸人である。

アジアでいえば、フィリピン出身の女の子が中国で成功し、チャイニーズドリームを歌っている感じであろうか。

アメリカと聞くと、アメリカ合衆国を連想するがカナダではアメリカ合衆国のことを「America」ではなく「The States」と呼ぶ。

カナダもアメリカ大陸の一部だからだ。

２１世紀のアメリカンドリームはもはや大陸レベルなのである。

しかし、まぁこのビデオを見るにつけ、この短い歴史の中でこれだけ大きなエントロピーが起こる国も他にないなと思った。

自由と民主主義の国は色々な意味で激しいのだ。

Azealia Banks reminded me of Missy

Well, Azealia Banks is in Japan now.
Welcome, Azealia.
I can show you around Shibuya if you want, cause I was born and grew up in Tokyo.
Alright, I'm joking.



I bought her 1st album "Broke With Expensive Taste" last week.
I've known her from "1991" and thought her sense of rhythm of rhyming was cool.



Philly's female rapper Eve was saying that she liked Azealia's word-play in some interviews.



Yes, songs in her album has a wit, word-plays, variety of languages and styles.
It was very entertaining to listen through.



And I thought she sounds like Missy sometimes.
When she went "ba-rom-pop-pom-pom"(drum sounds onomatopoeia) and "yippe yi yo, yippe yi yi yay".



Ear catchy phrases can be used by several rappers, but not only that, Azealia's voice has some deep tone like Missy's and that really made me feel like I was listening to Missy.
Both rappers are not very gangsta type rappers, and not the type that sells sex but both are good at word-play.




Back in 2000s, it was Lil' Kim who sang in a kind of strange tone in "This Is A Warning" and she sang "Time after Time" with Cyndi live.
These says we have more and more rappers who can sing (and singers who rap).
Nicki Minaj, Drake, Frank Ocean, M.I.A sings sometimes.



But Azealia can sing better than ordinary alternative rappers or crossover sing.
She once said she would be a Jazz singer if she quits rapping.



She has got such mad opinion in her mind as she was asked if she was an angry African-American in radio interview.
She has spoken out about white Hip Hop, black culture appropriated, sex and being digital native.
That will motivate her to express her own critical point of view about the world, and that's what her fans like about her.

ラチェット・ミュージックとVineとゲットー

最近よくYoutubeで見るThe Real Daytime ShowでホストのTamar Braxtonが、“I have to listen to ratchet music”と言っていた。

Tamarがその後で“I have to listen to 2chainz.”
と言うので、Ciaraの音楽が「Crunk'n'B」と呼ばれたり、TLCの音楽が「Down Low」と呼ばれたように、2chainzは新たな音楽名称をひっさげて頑張っているのかと思った。



有名なUrban Dictionaryによると、「ratchet」とは

A diva, mostly from urban cities and ghettos, that has reason to believe she is every mans eye candy. Unfortunately, she's wrong.

を意味すると言う。



つまりゲットーにいるとんでもない勘違いタイプの派手な女性のことである。
そこから次第にratchetがゲットーを指すようになり、「ratchet music」がゲットー的な「ゆっくり目のヒップホップ」を意味するようになったそうだ。



たとえばTygaや最近のLudacrisがやっているような音楽がラチェット・ミュージックと言うらしい。
聴いてみると、「最近のヒップホップ」という感じがした。
メロディレスでシンセとビートのシンプルなつくりだ。



僕自身は「ratchet music」と聞いて、最初にPTAFの“Boss Ass Bitch”を思い浮かべた。

この曲は2012年以降、本当によく６秒動画アプリ「Vine」で耳にした曲で、高飛車な感じの女の人のBGMとなっていた。
人だけでなく、果てにはマレフィセントやおしゃれキャットのマリーなど、様々なアニメキャラのワンシーンも“Boss Ass Bitch”に乗せて投稿されていた。



Vineを見ていると、撮影・編集方法や面白さからは創造性は感じるが、直接的な下品さやいたずら、変な顔などで面白おかしく見せている面が大きい。
この直接的なお下劣さが“Boss Ass Bitch”とつながり、高校生あるいはゲットーのユーモアとの親和性の高さを築いているのではないかと思った。

ケイティ・ペリーの「ロアー」と中国伝統楽器との相性

父がパソコンでKaty Perryの“Roar”の歌詞を調べてるのを見て、やっぱりあの曲は名曲だったのだなと今更思い知った。



この人が好きになる曲は名曲中の名曲が多く、はずれがない。

• Bob Dylan “Blowing In The Wind”
• 松任谷由美　『輪舞曲』
• Ricky Martin “Livin La Vida Loca”
• 鬼束ちひろ　『月光』
• 夏川りみ　『涙そうそう』

以上が父がのめり込み、家族が飽き飽きするほど繰り返し聴いた歴代の曲目である。

ここに今回、Katyの“Roar”が加わりそうだ。

皆がこぞってギターを習い、ビートルズやカーペンターズを弾いた世代で育ち、父もご多分に漏れず一通りは弾いたらしい。

ポップスの勉強にはもってこいのオールディーズをたしなんだ耳に、現代のJ-POPや洋楽は若く、何かが足りない。



Max MartinにDr. Lukeプロデュースのこの曲が往年のポップスが染み込んだ年老いた耳を捉えた。
高揚的なコードに、勇気づけられる歌詞、フックのシンコペーション。
晴れた朝一に聴きたくなる曲だ。



Katyの“Roar”は僕自身、発売当時に結構好きになり、聴いていた。
素人からプロまで色々な人たちがカバーしたが、一番好きなのはRebecca Fergusonのバージョンである。

Rebecca Ferguson “Roar”

そして、なぜかオーケストラでも良い演奏になるに違いない気がして、いろいろ調べたら中国伝統楽器の演奏がこの上なく素晴らしかった。

Katy Perry - Roar Performed by China National Orchestra

この演奏を会場で聴いたKatyは感涙していた。
「帰って早くオーケストラと演奏することを考えたい」とインタビューで述べていたほどだ。

笛や二胡、楊琴で奏でられた２０１４年のアメリカでのヒット曲がこんなに中国民謡化するとは思わなかった。

それもそのはず、この“Roar”は「Ｇ－Ｅｍ－Ａｍ－Ｃ」というコード進行で、ドレミにすれば「ソ－ラ－ミ－ド」となり、中国民謡のヨナ抜き音階（ファ、シがない音階）に当てはまるのだ。

ヨナ抜き音階といえば、日本では島唄である。

城南海や中孝介に奄美三味線と太鼓でカバーしてもらいたいところだが。