ダンスホールレゲエが流行った夏

今年の夏はラジオからよくダンスホールレゲエ調の曲が流れた。
Major LazerやDaya、Fifth Harmony、Siaの『Cheap Thrills』、Justin Bieber、Drake、Rhianna、Beyonce『Sorry』、ムーなど。
大体裏打ちのシンセと裏打ちのハットの合いの手が聞こえてきたら、もうダンスホールレゲエ調のノリの確定である。



流行の視点抜きにして最近の音楽を聴いてみれば、クラブミュージック界では確かに昔からやっていそうな音楽と言えなくもない。
真のダンスホールレゲエと違うのは、歌手がバリバリのジャマイカ訛りで際どい歌詞を歌っていないことくらいことくらいだ。



夏らしいと言えば夏らしい音だが、夏だからという理由だけで流行ったわけでもない気がする。
この流れはどこから来たのだろうか。



ダンスホールレゲエと言えば、この人、Sean Paulはこの流れを作ったのはMajor Lazerだと言う。
そして、散々行われてきた文化盗用の議論よろしく、ジャスティン・ビーバーやドレイクは自分たちのやっている音楽がレゲエだと明言していないと摘発する。



確かに、ダンスホールレゲエが流行するきっかけはMajor Lazerかも知れない。
しかし、その前からこのレゲエへと向かっていくゆっくりとした前進は存在した気がするのだ。



僕の少ない頭の中の音楽名鑑を探れば、２００９年グウェン・ステファーニ『リッチ・ガール』、２０１０年リアーナ『ワッツ･マイ・ネーム』、２０１３年のエリー･ゴールディング『バーン』が、メジャーなダンスホールレゲエ風音楽がポップチャートに登場した例だと思う。
２０１４年のMagic!の『Rude』のヒットも、人々のレゲエへの親和性を高める効果があったかもしれない。



思えば、ここ５年くらいでクラブレゲエの腰振り踊り、Twerkが格段に知名度を上げたのも、音楽の流行と関係しているのではないだろうか。
だとすると、マイリー･サイラスのVMAでの卑猥ダンス事件も流行の過程と言えるのではないだろうか。



ただこの流れの核となるDiploは昔からクラブレゲエやバイレファンキ、クドゥルなどの非西洋世界の音楽やドラムリズムを取り扱ってきたということを考えれば、本人は山のように不動で安定しているのだ。

シーア化するリアーナ

いつごろからだろうか。
Rihannaの歌が上手いと思うようになったのは。



「Four Five Seconds」くらいのときには既に何か変化を感じていた。
しかし、彼女のアルバムを今まで一度も買ったことがなかったので、しっかりとその変化を感じ取れなかった。



デビュー時の彼女はクラブレゲエ調の歌唱法だったので、それはそれでカッコよかった。
しかし、その当時似たアーティストは多かったので僕は買うに至らなかった。
Nina SkyやRumidee、もっと前はNelly Furtadoである。



それぞれ音楽的背景も民族性も違うだろうに、自分的には同じカテゴリーに入れていた。
すなわち「ソウルフルでラガマフィン風」。



Rihanna自身はディーバになることを目指していたのかもしれない。
何せデビューのきっかけとなったオーディションで歌った曲はマライアの「Hero」である。
そのころのボーカルはまだか弱く、時折裏返り、お世辞にも上手いとは言えなかった。
デビュー後にAmerieらと共にDestiny's Childに捧げた「Lose My Breath」のパフォーマンスでもそんなに変わってはいなかった。



それがSiaが提供した「Diamonds」くらいからか、少しずつ変わってきた。
今ではヘッドボイスが大きくなり、安定し、声の破裂（voice crack）までも技術として駆使できるようになっている。



Billboard Music Awards 2016での「Love On the Brain」の歌唱も伸びやかで、ヘッドボイスも安定し、裏声も綺麗、しゃがれ声も多用していて十分なステージング。
本人も出来に満足したのか、歌い終わった瞬間にオフマイクで「Wooh!」と言っているのが口の形から読み取れる。



２０１６年６月３０日にYoutubeに掲載された「Sledgehammer」では遂にカービィの如く、Siaの歌唱法をもコピー。
Siaのデモと声の相性が良かったのだろう。
ビデオを見ないでいると、SiaかRihannaか迷うくらい似ている。


これはしかし、Siaの歌を真似した結果、Rihannaの歌が上手くなっているという現象だと思う。

したがって、「Diamonds」以降の進化の影にはSiaのデモ音源の力があるのではないか。

Rihannaの声に合ったボーカルコーチはMariahではなく、Siaだったのだ。

新作「Anti」はBjorkも好んで聴いているというし、やっとRihanna作品の中で買おうかなと思うものが登場した。
Adeleの新作のせいで発売延期にしただけあって、自信作だったのだろう。



まだ２８歳。
あと１０年くらいは歌い手として成長し続けることができると思う。
Rihannaが授賞式会場を満場総立ちにする日もそう遠くないかもしれない。

Rihanna - Vocal evolution 2006-2016

マイヤが音楽ビジネスウーマンと化している件

９０年代から活躍している歌手たちの現在は様々である。
ある人はショービズ界を辞め、ある人はリアリティ番組に出て、ある人はオーディション番組の審査員になり、ある人はすっかり裏方となり、ある人はラスベガスでショーをする。



９８年にデビューしたR&Bシンガー、Myaはそのどれとも異なり、事務所を独立し、音楽を出し続けている。
今はDAWソフトが入ったパソコンとマイクさえあれば、誰でも曲が作れて、更にデジタル音楽配信サイトに小額のお金を払えば誰でも曲が配信できる時代である。
デジタル音楽配信・CD制作とワインのプロデュースなどをしながら、地道に頑張っているようだ。



クリスティーナ・アギレラとの『Lady Marmalade』で全世界的に脚光を浴びたMyaのキャリアは順調課のように見えた。
共演後のアルバム『Moodring』でも滑らかな歌声で大人のR&Bを聴かせていた。



しかし変化はその後起こった。
４枚目に予定したアルバムが、レーベルの判断による発売延期情報がきちんと販路内で共有できなかったため、時差が早い我が日出る国、日本で誤ってデジタル配信開始。
販売を停止したものの、ネットに楽曲がリークすることとなってしまい、レーベルは２年かけて制作した件のアルバムお蔵入りに。



Myaはそれを機にレーベルを離れ、インディレーベルに移ることを決意。
それを聞いた日本のCD制作会社がMyaに契約を持ちかけた。
Myaはそこで初めて新たな契約交渉を学び、彼女のインディキャリアがスタートした。



自宅にスタジオを作り、音楽のミックス方法を学んだり、自分で立てたプロダクション会社でお抱えプロデューサを雇ったりして、音楽制作にかかる費用を９５％カット。
更にインディレーベルとの交渉術で、印税もユニバーサル・ミュージック時代よりも上昇。
結局今の方が収入は多く、全世界色々なところに仕事で行けるし、楽しいという。



日本での音楽誤配信がなければ彼女の今のキャリアはない。
２年かけてつくったアルバムが無に帰した代わりに、それ以上のものを手に入れた。



彼女のクリエイティビティはそこだけに留まらない。
Sisqoとの共演曲『It's All About Me』でのチャイナドレス風衣装とヘアスタイルは彼女が自分でデザインしたのだという。
昔から絵を描くのが好きで、自分で描いたものを当時のレーベルのお抱え洋裁師につくってもらったのだとか。



R&B歌手枠でクリエイティブといえば、美術系高校出身のKelisくらいしか知らないが、ただのダンス推しの女性歌手と思っていたMyaがこんなにも創造性に満ち、自分で道を切り開き、業務的に自立していたということは刮目に値する。

ポップミュージックのリサイクル業者、シーア

シーアは顔を隠しているのに、言うことは明け透けである。
ビヨンセとの曲作り合宿の裏側を語ったり、カニエはスタジオにも現れないのに共作者に名を連ねていると暴露したりと、インサイダー情報満載のパーティマウスっぷり。
それでも相変わらず顔は『シャンデリア』以降もベール、いや、ウィッグに包まれたまま。

今年初めに発売されたアルバム『This Is Acting』は2014年発売のアルバム『1000 Forms of Fear』同様、様々な歌手に提供したお蔵入りの楽曲集である。
アデル、リアーナ、ビヨンセ、ケイティ・ペリー、シャキーラ、デミ・ロヴァート等錚々たる顔ぶれに提供された曲の数々は、少し運命が違っていれば彼女らのアルバムに収録されるはずだったわけで、品質は一級ということを物語っている。

しかし、どれを聴いてもSia色が強い。
アデルと共作したといわれる『Alive』だが、アデルの面影がひとつも感じられない。
アデルが収録しなかったのも頷けるほどのSia節だ。

人のために書いた曲を、収録されなかったから自分で出すというなんとも貧乏性というか、エコフレンドリーな精神。
しかも内容は１４分で書かれてしまうような安易で歯切れのいい歌詞に、キャッチーなメロディである。

すっかりシーア印となった、「私は強い。私は負けない」という自己顕示に溢れた少年アニメの主題歌のような世界観は『Alive』、『One Million Bullets』、『Unstoppable』、『House On Fire』などで健在。
『Chandellier』で聞かれた虚飾の豪華絢爛さ、向こう見ずな若さはリアーナ向けの『Cheap Thrills』が担当。

一日に何曲も書き上げるということは、毎日様々な音楽を聴いているということである。
その分、耳は肥えるし、今の流行が分かる。
しかも選択肢は有名アーティストの元でヒットさせるか、自分が歌ってヒットさせるか、お蔵入りかのどれかしかない。
お蔵入りが発生するのは仕方ないとして、どうしたってお得な選択ができる、おいしい立場である。

ポップミュージック界きってのリサイクル業者、シーアはツアーをしない。
この音楽ソフトが瀕死となり、ライブやフェスといった興行の時代に、大胆にも逆を行く。
ツイッターで口撃したり、インスタグラムで炎上商売を仕掛けなくても彼女にメディアの視線は注がれる。

一流歌手の要らない楽曲を、欲しがるリスナーに届けるという音楽リサイクル業者のアイディア勝ちである。

モニカが敷くR&Bの厳戒態勢～コードレッド～

Monicaが２０１５年末に発売したアルバムタイトル、"Code Red"を以て、厳戒態勢を宣言した。
他でもない、R&Bの現状に警鐘を鳴らした形だ。



アトランタ出身で、教会で歌いながら育ち、子供時代はタレントショウ荒らしだったモニカは、ダラス・オースティンに発掘されて１１歳でレコード契約。
ストリート色のあるR&Bを歌い、断続的にヒットを放ち、２～５年の間隔でアルバムを発売し続けている。



それはつまり、音楽シーンに居続けているということを意味する。
常に音楽とふれあい、クワイヤの一員として歌いながら育ち、子供時代から音楽業界にいるのであれば、それ以外のライフスタイルを知らないのだとも言える。



そんなベテランが発する「厳戒令」はR&Bの現状を訴える物だとしても説得力はあるが、その内容自体は驚くべきものではない。
２０１３年のSoul Train AwardsでTamar Braxtonが"Thank you so much for believing R&B music"とスピーチをしたり、昨年Tyreseが"Is it true? They say R&B is dead"とFacebookに投稿したりしたのも記憶に新しい。
そして、何よりも我々には現実的に「R&Bの良い曲を最近聴いていないなぁ」という実感がある。



モニカは「９０年代以前のR&Bソウルの愛や力を復活させたかった」と言う。
９０年代、００年代のR&Bが豊富に生まれた時代はもう来ないのだろうか。



一時期にディスコ曲が流行って、それ以降は下火になったことを例に出してみよう。
ディスコ音楽の成功は、ディスコという場所と関係する。
この際、「ディスコが先か、音楽が先か」という鶏と卵問題は置いておいて、R&Bが下火になったのは、聴かれる場所が減ったからではないか。
アメリカの事情は良く知らないが、日本でもR&Bを流すクラブは減ってきているように思える。

この動画（８分８秒あたり）でモニカは「自分の前数作を含めて、何が欠けているのかは分かっている」と自己言及している。
随分と客観的で冴えていらっしゃる。



実際、個人的な感想だが、モニカはEDMにこそ転向しなかったものの、『All Eyes On Me』以降の作品は、僕にはその他の多くのラチェットミュージックと同じように聴こえ、引っかかるものが無かった。
しかし、今回の『Code Red』は久々の良作で、大胆にもYouTubeに全曲上がっていたので、試聴し、迷わず購入となったところだった。



Code Redという軍隊用語もまたストリートライクで、モニカらしい命名だと思う。
ストリート文化では仲間のことをSquadと呼ぶなど、何かと戦闘や軍事用語と親和性が高い。



モニカが一体いつ良質なR&B音楽から離れてしまったのかは明言していないが、そのときくらいからR&Bの衰退は始まっていたのではないだろうか。

ソングライターという仕事～ブルーノ・マーズ、エミリ・サンデー、シーアの場合

ソングライターは本来裏方で作詞作曲を行う職業人のことを言うが、最近は彼らも表舞台に出て歌手活動をすることも多いと感じる。



Ne-yo、Lady Gaga、Bruno Mars、Keri Hilson、Jessie J、Emeli Sande。
プロデューサーが名が売れてから歌手デビューするケースは前にもあったが、作詞作曲担当からデビューする数は最近の方が多いのではないかと思う。



それは、裏方の人には表に出る欲がない人が多かったからと、そう簡単に歌手デビューできるものではなかったからではないだろうか。
昔はある種のカリスマ性や会場を埋め尽くせるスター性のようなものが必要とされた印象がある。



ソングライターとは一体どういった仕事をする職業なのか。
Emeli Sandeによると、「ソングライターは好きな時間に起きて、好きな時間に仕事する余裕のある仕事」だったという。



Emeliはレーベルと契約したときの感情を「Clown」という歌にした。
ソングライターだったEmeliがレーベルに説得されてアーティスト契約する際の、納得のいかない感情と、大きなものに屈して自分の大事なものを手放してしまったかのような敗北感について切々と歌い上げている。



Bruno Marsの場合はハワイから出てきたばかりの段階で、曲を聴いた業界人から曲を売ってくれないかと言われ、お金のために売ったという事情が当初の成り行きだったようだ。
自分のアルバムを出したかった彼は渋々承諾したものの、昨今のレーベルは新人発掘に乗り気ではなく、既に売れ始めているアーティストにいい曲を与えることに心血を注いでいることに気が付いた。



ほどなくしてBrunoはまずは裏方として業界に入り、そこからソロデビューにこぎ着けようと画策し、プロデュース業、作詞作曲を始めたという。
彼には先見の明があったのは明らかで、実際にデビューも成功し、間もなく人気を獲得している。



Siaは長い下積み生活を経て、EDMでの客演で多くのリスナーを獲得した歌手だが、ソングライティングの生産性は業界の中でもかなり高い方だろう。
始めに制作に関わったのは、Christina Aguileraのアルバム『Bionic』。



Christinaの方から曲を書いてほしいと頼まれたらしい。
そこから彼女の作詞作曲キャリアがスタートするが、その後は名だたるアーティストと仕事をしている。



Siaが思い出深いのはBeyonceとの仕事だそうだ。
多数のプロデューサー陣、ライター陣と一つ屋根の下に集められ、集団生活をし、トラックメイキングを行ったようだ。



各部屋にBeyonceがやってきて、「こういう感情を歌にしてほしい」とか「あの曲のコーラスとこっちの曲のバースが好きなんだけど、くっつけてくれないか」などと注文を受ける。
25曲近く作ったが、蓋を開けてみると収録は『Pretty Hurts』のみだった。



外から見ると、机とペンと紙があればできる、何ともプリミティブで知的で高等な職業に見えるソングライティング。
実際には、書くことが好きだからやっているという天職的な人ばかりではなく、実は歌手志望で今はとりあえずお金のために作詞作曲しているという人が意外と多い。

メラニー・マルティネスが批判する美容整形社会

一重まぶたの人が「プチ整形」手術を経て二重まぶたにする。
臀部や胸部にインプラントを入れて大きくする。
方や日本、方やアメリカで流行の整形手術である。



十代、特にアイデンティティー確立期には多くの人が多かれ少なかれ自分の容姿に悩むものだ。
「君ってあの芸能人に似てるよね」と言われただけで、大抵意識していた自分の像と違い、悩んでしまったり、人と自分の顔を比べてしまったりするのだ。



年を重ねれば徐々に自己像が確立され、人々の容姿の悩みは鼻の高さやまぶたの形から、次第に肌の綺麗さや外科的老化対策に移行していく。
しかし、若い時期は日々自己否定との闘いであり、ちょっとした言葉や周囲の動きによって傷つき、自信を喪失するものだ。



アメリカのオーディション番組「The Voice」出身のMelanie Martinezは番組から３年を経て、ようやくデビューアルバム「Cry Baby」をリリースした。
本作は「Cry Baby」という人格が、恋愛・失恋・自信喪失・自己確立をするストーリーに沿ったコンセプトアルバムとなっている。



その中の収録曲「Mrs. Potato Head」で、Melanieは整形手術が手軽になってきている昨今の風潮へ疑問を呈する。
ツートーンの髪色をし、カラフルな刺青を入れ、子供時代の玩具や遊園地をモチーフにした彼女の作品世界は、いかにも物質主義的を推進しているように見てしまいがちだが、意外にも反美容整形を訴えている。



Lady Gagaがプラスティックな美を謳歌したり、KeshaやM.I.A.が早死にを賛美するような歌を次々出したのがすでに数年前のこと。
時が経つと、やはり人々は冷静になるようだ。
産業が煽る偽りの美、揺らぎやすい自己に厚塗りされた新しい面皮がフラッシュでまばゆい赤い絨毯の上を跋扈する時代に対して、１９才は冷静である。



「愛する人が整形手術を受けて、ミスター・ポテトヘッドのおもちゃみたいに顔がバラバラになっても、一生添い遂げますか？」と、アルバムのテーマである玩具に絡めて疑問を投げかける。
見た目で人は判断できないということを彼女自身が体現しているかのようだ。