アリシア・キーズは次なるローリン・ヒルたり得るか

ピアノ弾きのヒップホップ才女として華々しいデビューを飾ったアリシア・キーズは２０１６年に６枚目のアルバム『Here』をリリースした。
夏に『In Common』をリリースして、割と流行の洞窟並みにリバーブかかりまくりのトロピカルトラックを歌ったかと思うと、すっぴん宣言をしたりしてメディア露出を繰り広げた。



その後リリースした曲『Blended Family』では混血家族、一夫多妻的家族、婚外子も前妻も含んだ大きな家族の絆を歌う。
アルバム発売前に発表されたビデオ『The Gospel』はアフリカンアメリカンカルチャー、ストリートの現実を特集したドキュメンタリー風な映像だった。
ここで、何か大きなテーマを抱えた作品が控えていることを直感した人は多かっただろう。
数年前からのBlack Lives Matter運動を想起した人もいただろう。



そしてアルバムリリースに至る。
母殺し（および母なる大地である地球を汚染すること）、同性愛、自尊心を持つこと、不安、偏見や一方的な決め付けの打破（トランプ大統領への応答）など、大きな社会問題ともなり得れば、個人の心の問題ともなり得る多様なテーマの曲が並ぶ。
彼女にありがちな純愛を歌うクラシックソウル風のラブソングはほとんどない。



こうしてみると、２０１０年代のローリンヒル的アルバムと言われてもおかしくないクオリティではある。
音楽的にもブルースっぽい曲、ゴスペル、レゲエ調、ストリート音楽などローリンに引けをとらない幅広さを誇る。
頭脳明晰さを考えても、アリシアならローリン並みの啓蒙的アルバムを作れるはずである。



何が違うのか。
それは宗教性だ。
ローリンはラップで鍛え上げた冗長的で説得力のある作詞能力があった。
ラップという形式上、たくさんの言葉を並べることが出来るし、歌にするには関係なさ過ぎることも盛り込むことが出来、メッセージを伝えるには有利である。
ローリンは全体的に宗教色が強く、コーラスワークもクワイヤ的な性格を帯びている。



一方、アリシアは基本的にクールな弾き語りシンガーだ。
彼女の詞は叙述的で、個別的、ストーリーがある。
歌なので、歴史上の人物名や聖書の話はほとんど出てこない。
その時々に旬な歌手と共演したり、対象年齢の低そうな分かりやすい歌もあったりする。
コーラスワークはR&B的、ソウル的な手法を取る。



歴史上、芸術と宗教は密接に関係してきた。
大衆化した技術は芸術とは呼びにくくなってしまう。
ワルツはミサ曲にはなりえない。



アリシアは曲中で社会問題を取り扱えど、宗教的な結論に至るのではなく、やはりどことなく大衆性を持っていて、ソウルミュージックを演奏してはいても、実は根っこのところは結構ロックなのではないだろうか。

結局、今一番歌が上手い女性ソウル／R&Bシンガーは誰？

ホイットニーが永逝し、マライアがかつての声を失った今、売れ行きやメジャーさは抜きにして、一番バランスが取れていて上手いと感じる女性ソウル／R&Bシンガーは誰だろうか。
僕が上手いと感じる人を挙げてみた。



Jazmin Sullivan
１０代のころから歌うま少女として界隈では有名で、グラミー賞にも度々ノミネートされてきた１９８７年生まれの歌手。
ゴスペルが下地にあり、太くてあまり高くない声ながら高音域では声が割れるというか、複雑な音を発するのが特徴的。
もっとも美しいボーカルランを聴かせる歌手の一人だと思う。

近年では辞めるとか辞めないとかの噂が絶えないので、アメリカのちあきなおみと化してしまう可能性も。

Jennifer Hudson
２００４年のAmerican Idolファイナリストで、２００９年にグラミー賞を受賞した１９８１年生まれの歌手。
ゴスペルを下地にしたパワーと高い声域をミドルボイスで出してしまう器質的な才能と、ロングトーンなどのテクニックが聴く者を圧倒する。
ビヨンセよりも輝いた映画『ドリームガールズ』の出演や肉親を殺害される悲劇に見舞われた後の復帰パフォーマンス、プリンスのトリビュートなど、ドラマチックな舞台も多く経験し、その分、聴衆からの信頼度は高い。



Jessie J
パフォーミングアーツの高校でアデルやレオナ・ルイスと同学年だった、１９８８年ロンドン生まれのシンガー。
ポップからロック、ソウル、R&B、バラードまで何でも歌いこなすバランスを持っていて、特筆すべきはライブでの声の運動神経である。
高音のミドルボイスから、繊細なボーカルラン、張りのあるロングトーンを次々に繰り出し、体育会系ロック歌手のようなステージを見せる。



Keke Wyatt
１０歳から裏方仕事をしていて、１５歳で日の目を見た１９８２年生まれの歌手。
ゴスペルやオペラを下地にした、艶のある歌声で高音域も得意。
安定感があり、ボーカルランや装飾が繊細で美しい。
近年はリアリティ番組に出演するなど、タレント業にも精を出している。



Tamar Braxton
トニ・ブラクストンの姉妹の末っ子で、姉妹コーラスグループを経てソロに転身した、１９７７年生まれの歌手。
ゴスペルを下地にした、太さのある声ながら、なかなか出せる人は多くない高音のミドルボイスを聴かせる。
ボーカルランや装飾の引き出しも多く、さすがは姉妹でよくゴスペルを歌っているだけある。
体調不良などでアルバムのPRが出来ず、不遇は続くが、リアリティー番組に出演し、そのドラァグクイーン風の立ち居振る舞いで人目を引くなど、タレント活動も多い。



さて、思いつく限り、現在活躍中の上手い女性歌手を挙げてみた。
他にもいるとは思うが、それでもこれらの人々はランクに入ってくると思う。
この中で自分が一番上手いと思うのはテイマー･ブラクストンだ。
テイマーと比べると、キキ、ジェシーJは声に太さが足りなく、ジャズミンは高さ、Jハドは繊細さに欠ける。
テイマーは２０１７年１月の時点で３枚のアルバムを出しているので、知らない方は是非聴いてみていただきたい。

Soul Train Awards 2016のエリカ・バドゥと紅白歌合戦のタモリ・マツコの寸劇

Soul Train Awards 2016をインターネットで閲覧した。
まさかのErykah Badu司会である。
そして、まさかのなかなかのギャグセンスである。
会場を割りと沸かせていた。

授賞式としては、面白いと思ったのはBest hip-hop Song of the yearがRhythm and bars賞に変わっていたことだ。
確かにDTMでHip Hopの曲を作ろうと思ったら、目の前のモニターにあるのは小節であり、耳に聞こえるのはリズムである。

Lady of SoulとしてBrandyが選ばれたのは不思議だった。
最近作品を出したわけではないし、出演する代わりに賞をくれと交渉したのだろうか。
去年がJill Scottの受賞だったので、流れ的にはAngie Stoneの方が適切な気もするが。

先述のMC Erykahであるが、中間と最後に寸劇を挟んでいる。
自称ボイスコーチのMs. Irma Ervingとして授賞式に侵入を図る。
華やかな格好で現れ、「ここにいる歌手の全員のボイスコーチをしている」とバウンサーに豪語する。
しかし、そのメイクは志村けんばりのコメディ仕様なのだ。

これが去年末の紅白歌合戦のマツコ・デラックスとタモリによる寸劇を思わせた。
会場に到着し、ガードマンに止められながらも侵入し、舞台に上がり、出て行くまでのあの熟年夫婦である。
紅白の二人は自主的に帰っていくが、Soul Train AwardsのMs. Ervingは結局つまみ出されることとなる。

マツコ・デラックス＆タモリの寸劇は尺が長く、しかも即興と思われるのでコメディ要素を持たせるのは難しいだろう。
二人のショーマンシップに全てがかかっている。
しかし、それを敢えてやらせたのは、かつてフジテレビの２７時間テレビで同局が「嫌われている局ナンバーワン」という雑誌記事に関する発言をぶち込んだり、別の生放送番組で「デモ以降大変」と述べるなど視聴者の気持ちをハプニング的に代弁してきたマツコと、客観的な批判が出来る緩衝材のようなタモリの化学反応を見せたかったからであろう。そして、それが見たい視聴者は一定数いたと思うので、その点で成功だったと思う。

Soul Train Awardsの寸劇はロケであり、コメディなので、授賞式の娯楽性を強める働きがあった。
両者を眺めたときに、寸劇の存在価値は尺の上に成り立っていることが分かる。
尺が寸劇の生命維持装置である。
尺が有り余った寸劇は冗長性を帯び、中だるみし、もはや「寸」劇ではなくなる。
その意味で、マツコ・タモリの寸劇はもっと短時間の物を多くやる方が良かったと思う。

プリンスのライブ映像を初めてちゃんと見て思ったこと

物心がついてから初めて聴いた洋楽は、ホイットニー主演の『ボディガード』のサウンドトラックだった。
それが影響してか、アメリカの音楽は凄い歌唱力を持った歌手が歌っているものというイメージがついた。
そのため、ダンスパフォーマーや演奏家に興味がなく、ロックバンドやマイケル、マドンナ、ビヨンセにはあまり関心が行かなかった。



プリンスも僕にとっては演奏家のイメージが強かった。
洋楽を聴いて育つ中でいろんな場面で彼のうわさは目にし、耳にしてきたが、圧倒的な歌唱が聴きたい身としては音楽を掘り下げるにはいたらなかった。



唯一中学生のころに知っていた曲が、『When You Were Mine』。
そして大学時代くらいに、そろそろ彼の音楽を知らないというのも恥ずかしいと思い始め、ベストアルバムをレンタル。
しかしそれでも、凄いキャッチーな曲がジャンルレスにたくさん作れる人なんだなといった程度の感想だった。



そして、２０１５年に誕生日に友達に彼の『Hit and Run phase1』をプレゼントされる。
初めて手にしたプリンス作品はロックあり、EDMあり、R&Bありの音楽の玉手箱のようなアルバムだった。
やはりキャッチーな曲が多く、才能を再確認した。
しかし、彼の本領はライブにあったのだと、そのときは知らなかった。



２０１６年４月に訃報が全世界を駆け抜けると、やはり驚き、残念に思った。
それから半年経った、秋。
何気なく、彼のインタビュー動画を見ていた。

３分のところで、司会が「もしプリンスじゃなかったら、何をしていると思う？」と問い、
彼は「１６歳のころにお金が無くて働こうとしたけど、イエローページの中にひとつもやりたいことが無くて、音楽家として必死にやっていこうと思った。それで成功できた」と言っている。



才能も実績も伴っていて、説得力がありすぎるくらいカッコいい話である。
その後、SNLやスーパーボールのハーフタイムショウなどの動画を見た。



演奏への集中力、オーディエンスを時折チェックする目つき、演出、曲によって行うギター交換、盛り上げ、最後の紳士的な礼。
その一連が上手で、抜け目なく、しかも自己陶酔ではない自信に満ちている。



ライブにありがちな、疲れて力が抜けたり、声が出なくて目が泳いだりすることがない。
ダンスパフォーマーにありがちな、力が入りすぎた体育会的で筋肉的な姿を見せない。



「いいもの見れたでしょ？」といわんばかりの笑顔が彼の音楽への愛と、それで食べていけていることの偶然性に立脚した完璧な職業精神を物語っている。
誰かを見返すためや自分の実力を誇示するために歌ったり、超越的な感化に身を任せて絶唱したり、客から独立して淡々と舞台上で技巧を披露したりしている感じが見受けられない。



「音楽を魅せる」。
そして好きだからそれをやっている。
その姿が発揮される場所、ステージ。
音楽よりもライブを先にチェックしておけばよかったと思ったアーティストだった。

スカイラー・グレイの幸福論

００年代のヒップホップシーンによく客演者として名を連ねた歌い手がいる。
彼女の名はSkylar Grey。
やさしく包み込むようなフォーキーな歌声を提供していた。
そんな彼女は実は作曲もやっていて、客演の曲の多くは共作である。
裏方であり、曲の顔ともいえるフックも歌うSkylar Greyとは何者なのか。



Skylar Greyはウィスコンシン州出身のシンガーソングライター。
高校を中退し、１７歳でLAに拠点を移し、Linkin Park界隈のレーベルと契約する。
Fort Minorの代表曲『Where'd You Go』で聴いたやさしい歌声の正体は、実は改名前の彼女である。
当時はレーベルの関係でLinkin Parkとよく仕事をしていたようだ。



その後、現在の芸名に改名をし、New Yorkに仕事を求めに行き、新しい契約先を見つける。
そして、そのころからEminemやDr.Dreとの仕事が始まる。
『Love The Way You Lie』、『I Need A Doctor』、『Coming Home』など、ヒット作を共作する。



２０１６年には３枚目となるアルバム、『Natural Causes』を発売。
これまでの客演がヒップホップ畑が多かったためか、クラブミュージックのコーナーにCDが置いてあるのを見かけた。
しかし、彼女はもっとフォークの人なのだ。



実際、子供のころに母親とフォークのデュオを組んでいたということから、歌唱法もロックというよりもフォーク風だ。
本人も影響を受けた歌手の一人に挙げているフィオナ・アップルに似ている。



３枚目のアルバムタイトルが「自然要因」であり、CDの裏カバーも森の中であることから、自然がモチーフになっている。
それもそのはずで、田舎育ちの彼女にとって自然は欠かせない存在であり、LAで活動した後はしばらく森の中で生活をしていたという。
下記の動画インタビューでその証言がある。

森の中で自給自足をすることで、サバイバル精神を養い、自信を付けることで、精神衛生にも良かったのだろう。
森を出た後で、彼女はグラミー賞授賞式でエミネムらとパフォーマンスを行ったり、数年後に実際受賞したりと大活躍するわけである。



しかし、やはり彼女は忘れた頃に自然に帰る。

今はユタ州の山の中に住んでいるという。
それがアルバム収録曲にも影響している。



収録曲のひとつに『Moving Mountains』という曲がある。
この曲名を見たとき、とっさに土井たか子の名言「山が動いた」や風林火山の「動かざること山の如し」、Lamyaの『Empire』の歌詞の一節「Bring me men who match my mountain」などが頭を駆け巡った。



山が動くことを大きな変化になぞらえているのだろうと邪推していた。
しかし、インタビューを読むともっと深いことを言っていた。

It's like, yeah, it's cool to be driven and whatever, but if you're neglecting the present and all the people around you that you love and stuff like that for your career, that's not very attractive and it's also not very conducive to happiness. I feel like happiness is all about living in the moment, like right now. Waking up to these mountains and being with my dog and that kind of thing, so I wrote this song “Moving Mountains.” The lyrics in the chorus is: “For once in your life push your ambitions aside and instead of moving mountains, let the mountains move you.”　（lemonademagazineより）

 憂鬱は過去が原因で起こるもので、不安は未来へ対して持つもの。
幸福は現在にあり、現在を生きることでそれを獲得することが出来る。
キャリアだ、夢の実現だと奔走していては「現在」を生きることは出来ない。
山を動かそうとするのでなく、山に動かされてみなさい。



まさかこんなフォーク系ポップシンガーの口から、のけぞるような思想的な言葉を聞けるとは思わなかった。
彼女は哲学書でも読んだのだろうか。
確かに、彼女の言うことを考えると正しいという感じがする。



野望は夢を見させてくれるが、そのように夢見心地のまま生きられた生は、心ここにあらずの状態に等しい。
また、夢に生きることは、夢がかなった後の生のことが見えていない。
そもそもなぜそこまでして夢をかなえる必要があるのか、考える方が先に来るべきである。
過去も未来もないとして、現在を精一杯生き、状況を楽しむことが真実の生であり、充足感、すなわち幸福につながるのではないだろうか。
なぜなら本来、それだけで良いはずなのだから。

ダンスホールレゲエが流行った夏

今年の夏はラジオからよくダンスホールレゲエ調の曲が流れた。
Major LazerやDaya、Fifth Harmony、Siaの『Cheap Thrills』、Justin Bieber、Drake、Rhianna、Beyonce『Sorry』、ムーなど。
大体裏打ちのシンセと裏打ちのハットの合いの手が聞こえてきたら、もうダンスホールレゲエ調のノリの確定である。



流行の視点抜きにして最近の音楽を聴いてみれば、クラブミュージック界では確かに昔からやっていそうな音楽と言えなくもない。
真のダンスホールレゲエと違うのは、歌手がバリバリのジャマイカ訛りで際どい歌詞を歌っていないことくらいことくらいだ。



夏らしいと言えば夏らしい音だが、夏だからという理由だけで流行ったわけでもない気がする。
この流れはどこから来たのだろうか。



ダンスホールレゲエと言えば、この人、Sean Paulはこの流れを作ったのはMajor Lazerだと言う。
そして、散々行われてきた文化盗用の議論よろしく、ジャスティン・ビーバーやドレイクは自分たちのやっている音楽がレゲエだと明言していないと摘発する。



確かに、ダンスホールレゲエが流行するきっかけはMajor Lazerかも知れない。
しかし、その前からこのレゲエへと向かっていくゆっくりとした前進は存在した気がするのだ。



僕の少ない頭の中の音楽名鑑を探れば、２００９年グウェン・ステファーニ『リッチ・ガール』、２０１０年リアーナ『ワッツ･マイ・ネーム』、２０１３年のエリー･ゴールディング『バーン』が、メジャーなダンスホールレゲエ風音楽がポップチャートに登場した例だと思う。
２０１４年のMagic!の『Rude』のヒットも、人々のレゲエへの親和性を高める効果があったかもしれない。



思えば、ここ５年くらいでクラブレゲエの腰振り踊り、Twerkが格段に知名度を上げたのも、音楽の流行と関係しているのではないだろうか。
だとすると、マイリー･サイラスのVMAでの卑猥ダンス事件も流行の過程と言えるのではないだろうか。



ただこの流れの核となるDiploは昔からクラブレゲエやバイレファンキ、クドゥルなどの非西洋世界の音楽やドラムリズムを取り扱ってきたということを考えれば、本人は山のように不動で安定しているのだ。

シーア化するリアーナ

いつごろからだろうか。
Rihannaの歌が上手いと思うようになったのは。



「Four Five Seconds」くらいのときには既に何か変化を感じていた。
しかし、彼女のアルバムを今まで一度も買ったことがなかったので、しっかりとその変化を感じ取れなかった。



デビュー時の彼女はクラブレゲエ調の歌唱法だったので、それはそれでカッコよかった。
しかし、その当時似たアーティストは多かったので僕は買うに至らなかった。
Nina SkyやRumidee、もっと前はNelly Furtadoである。



それぞれ音楽的背景も民族性も違うだろうに、自分的には同じカテゴリーに入れていた。
すなわち「ソウルフルでラガマフィン風」。



Rihanna自身はディーバになることを目指していたのかもしれない。
何せデビューのきっかけとなったオーディションで歌った曲はマライアの「Hero」である。
そのころのボーカルはまだか弱く、時折裏返り、お世辞にも上手いとは言えなかった。
デビュー後にAmerieらと共にDestiny's Childに捧げた「Lose My Breath」のパフォーマンスでもそんなに変わってはいなかった。



それがSiaが提供した「Diamonds」くらいからか、少しずつ変わってきた。
今ではヘッドボイスが大きくなり、安定し、声の破裂（voice crack）までも技術として駆使できるようになっている。



Billboard Music Awards 2016での「Love On the Brain」の歌唱も伸びやかで、ヘッドボイスも安定し、裏声も綺麗、しゃがれ声も多用していて十分なステージング。
本人も出来に満足したのか、歌い終わった瞬間にオフマイクで「Wooh!」と言っているのが口の形から読み取れる。



２０１６年６月３０日にYoutubeに掲載された「Sledgehammer」では遂にカービィの如く、Siaの歌唱法をもコピー。
Siaのデモと声の相性が良かったのだろう。
ビデオを見ないでいると、SiaかRihannaか迷うくらい似ている。


これはしかし、Siaの歌を真似した結果、Rihannaの歌が上手くなっているという現象だと思う。

したがって、「Diamonds」以降の進化の影にはSiaのデモ音源の力があるのではないか。

Rihannaの声に合ったボーカルコーチはMariahではなく、Siaだったのだ。

新作「Anti」はBjorkも好んで聴いているというし、やっとRihanna作品の中で買おうかなと思うものが登場した。
Adeleの新作のせいで発売延期にしただけあって、自信作だったのだろう。



まだ２８歳。
あと１０年くらいは歌い手として成長し続けることができると思う。
Rihannaが授賞式会場を満場総立ちにする日もそう遠くないかもしれない。

Rihanna - Vocal evolution 2006-2016